Iggy Pop, pionero del punk rock a raíz de sus salvajes performances, que incluían laceraciones y la entonces novedosa práctica del stage diving -arrojarse desde el escenario al público- cumple este jueves 75 años, los cuales celebrará en medio de la preparación de una nueva gira durante el verano europeo.

Dueño de un carisma inigualable y una cautivante voz cavernosa, La Iguana, apodo con el que se lo conoce desde sus inicios a finales de los ´60 junto a la banda The Stooges, transitó más de 50 años de trayectoria con una presencia permanente en los primeros planos, más allá de altas y bajas artísticas y personales.

Pero acaso lo más importante es que Iggy Pop se ha ganado un respeto y un cariño generalizado, y ha sido tomado como un referente ineludible para el movimiento punk y para las bandas de garage.

Oriundo de Michigan, James Newell Osterberg Jr., tal su nombre de nacimiento, mostró desde muy chico su interés por la música, lo cual contó con el respaldo de sus padres, quienes le facilitaron las herramientas para que pueda estudiar batería.

Así creó algunas bandas adolescentes, entre ellas The Iguanas que le daría uno de sus famosos apodos; hasta que influenciado por el blues de Chicago y algunos sonidos radicalizados que provenían de Detroit, como el caso de los politizados MC5, formó Psychedelic Stooges, banda que luego reduciría su nombre a The Stooges.

El nombre del grupo, según contó al propio Iggy Pop, estuvo inspirado en la famosa serie televisiva "Los Tres Chiflados". "No me importa. Pueden usar el nombre que quieran mientras no se hagan llamar `Los Tres Chiflados`", cuentan que replicó el mismísimo Moe cuando lo contactaron para pedirle permiso para llamar así a la banda.

Así, la banda comenzó a ganar terreno con su rock garagero psicodélico y las impactantes performances de Iggy Pop -influenciadas por sus admirados James Brown y Mick Jagger, caracterizadas por sus contorsionados movimientos al bailar, los cortes que se hacía en el cuerpo con vidrios, la exhibición de sus genitales en varias ocasiones y, fundamentalmente, por sus zambullidas al público, lo cual inspiraría años más tarde al movimiento punk.

Con tres disco editados -el último de ellos "Raw Power" producido por David Bowie- y éxitos como "I Wanna Be Your Dog", "No Fun" y "1969", el grupo se disolvió a mediados de los `70 principalmente por problemas de adicciones que atravesaron a varios de sus miembros, especialmente al propio Iggy Pop. Hubo algunos regresos esporádicos, el último de ellos en 2013 con el disco "Ready to Die".

La necesidad de desengancharse de la heroína y su amistad con Bowie iban a derivar en su etapa más recordada a nivel artístico. Es que ambos artistas -el Duque Blanco también estaba en su punto más alto de consumo de cocaína- decidieron mudarse a Berlín para desintoxicarse y, de paso, buscar nuevos horizontes artísticos.

El resultado fue la edición de los discos "The Idiot" y "Lust for Life", los dos trabajos más aclamados de La Iguana, con clásicos como "Nightclubbing" y "Lust for Life", que tuvieron nueva vida en los `90 al ser parte de la banda sonora del icónico filme "Trainspotting"; "The Passenger", reversionada más tarde por Siouxsie and The Banshees; "Some Weird Sin"; "China Girl" y "Tonight", revisitadas en los `80 por Bowie, entre otras.

Pero en paralelo a eso, tanto en Nueva York como en Londres tomaba forma el movimiento punk, que postulaba a la postura escénica de Iggy Pop como gran ejemplo a seguir. No es casual que los Sex Pistols hayan cerrado su última actuación antes de su desintegración con "No Fun", toda una declaración de principios pedida prestada a La iguana.

Desde entonces, con su pergamino bien ganado como pionero del punk, Iggy Pop continuó con su andar con altas y bajas, aunque siempre se las ingenió para colar cada tanto algún gran disco, alguno gran éxito y para mantenerse al tanto de las novedades a partir de su unión con músicos más jóvenes.

Así como en los `80 popularizó hits como "Real Wild Child" o "Living on the Edge of the Night"; en los `90 sonó con fuerza con el disco "Brick by Brick" y su corte de difusión "Candy", junto a Kate Pierson, de B-52`s; y hace pocos años atrás llamó la atención su unión con Josh Homme, líder de Queens of the Stoge Age, en el disco "Post Pop Depression". También se consagró como el "crooner del punk" al registrar "Après", un disco de baladas francesas standards.

Con 75 años, Iggy Pop cambió las drogas por los jugos naturales y la práctica de milenarias disciplinas orientales, a la vez que afirma haber abandonado el stage diving por una simple cuestión de edad, aunque en escena se sigue contorsionando igual que a los 20 años. También se mudó a la soleada Miami y planea desde allí su nueva gira europea acompañado por una cacatúa con la que suele estar acompañado cada vez que sube un video casero a sus redes sociales. Curiosamente, el hombre que de joven cantaba "No Fun" nunca dejó de divertirse.

La muestra titulada "L'aimable cruauté", en español "La bondadosa crueldad", que se podrá visitar hasta fines de agosto, toma el nombre de un libro de poesías homónimo de Ferrari (1920-2013), en donde el artista advierte sobre una "crueldad tan íntimamente mezclada con la bondad, que la oculta".  

Con una muestra titulada "L'aimable cruauté", en español "La bondadosa crueldad", el Centro Pompidou inaugura hoy la primera exposición dedicada a León Ferrari en Francia, una retrospectiva que reúne obras emblemáticas del artista argentino, recordado por su mirada crítica sobre la Iglesia, la política, el colonialismo y la violencia.

La muestra en el icónico espacio parisino, que se podrá visitar hasta fines de agosto, toma el nombre de un libro de poesías homónimo de Ferrari (1920-2013), en donde el artista advierte sobre una "crueldad tan íntimamente mezclada con la bondad, que la oculta".

Entre las obras que integran la exposición figuran su más famosa, "La Civilización Occidental y Cristiana" (1965), la escultura de Cristo crucificado en las alas de un avión de combate estadounidense, en referencia a la guerra de Vietnam, así como también su serie "Nosotros no sabíamos" (1976), ese conjunto de recortes de notas periodísticas que denunciaban la desaparición de personas durante dictadura cívico militar en Argentina, régimen de facto en el que también su hijo Ariel fue desaparecido y el artista debió exiliarse en Brasil.

"Para nosotros era importante rendirle homenaje, y uno se da cuenta de la importancia que tiene, teniendo en cuenta la situación actual", dijo a la agencia de noticias AFP Nicolás Liucci-Goutnikov, uno de los curadores, a propósito del desembarco de Ferrari al prestigioso museo francés. El Pompidou, por su parte, invita al público a recorrer el proyecto creativo de un artista que "dedica su obra a poner de manifiesto la barbarie del mundo liberal occidental", a través de un discurso "anticolonial" y "anticlerical", entre otras definiciones.

A lo largo de su carrera, León Ferrari construyó una obra que moviliza a las y los espectadores a tomar posición frente a la intervención artística, una obra que interpela, conmueve y enoja, marcada por la visibilización y la denuncia de la violencia, la exclusión, el disciplinamiento y la tortura. "El arte no es belleza ni novedad, sino eficacia y desorden", definió una vez el artista, en cuyas obras trabajó la escultura, la sonoridad, el collage, las instalaciones o los objetos, entre otros cruces y formatos.

De profesión ingeniero, escultor autodidacta, cosechó el reconocimiento local e internacional, que alcanzó su punto máximo en 2007, cuando fue elegido mejor artista en la Bienal de Arte de Venecia donde se le otorgó el "León de Oro", el mayor galardón de una de las bienales más prestigiosas del mundo.

Su obra se exhibió en el MOMA de Nueva York, el Museo Reina Sofía de Madrid, España y en la Pinacoteca do Estado de San Pablo, Brasil.

Este miércoles se cumplen 110 años de la muerte del escritor irlandés Bram Stoker, célebre por haber escrito, hace 125 años, "Drácula", una novela que ha sido adaptada innumerables veces al cine y al teatro marcando un recorrido que va del terror a la estetización absoluta del miedo, una transformación que se puede leer en el viraje de la versión interpretada por Bela Lugosi en 1931 a la célebre producción de Francis Ford Coppola de cuyo estreno se cumplen también 30 años en este 2022.

A pesar de ser autor de dieciséis novelas, a Stoker solo se lo conoce por su obra de fantasía gótica, "Drácula". La novela fue publicada en español por Ediciones Hymsa en 1935, en la colección: "La novela aventura". La popularidad de su protagonista, un noble de Transilvania descendiente de Atila, no ha parado de crecer a través de los años. Al principio es un antiguo guerrero que fue alumno del diablo en Escolomancia, donde estudió los secretos de la naturaleza. Ya convertido en vampiro se muda a Londres, ciudad en la que engaña al joven comerciante Jonathan Harker, prometido de Mina, la protagonista femenina de la historia.

Stoker murió en Londres, el 20 de abril de 1912, antes de que su personaje vampiro alcanzara popularidad a través de numerosas películas y adaptaciones literarias. El escritor había nacido en 1847, en el número 15 de la calle Marino Crescent, en el barrio de Clontarf, al norte de Dublín, en un edificio de tres pisos de estilo georgiano con vistas al parque circular que hoy se llama Bram Stoker y está emplazado a espaldas de la bahía.

Hasta los siete años, por cuestiones de salud, el narrador debió estar postrado en la cama. Su madre y profesores privados le impartieron una temprana educación en su domicilio. Luego ingresó en el célebre Trinity College, donde en 1870 recibiría la matrícula de honor en matemáticas puras y en ciencias. En 1878, Stoker se casó con una exnovia de su amigo el escritor Oscar Wilde, Florence Balcombe. Días después se trasladaría definitivamente a Londres.

Su esposa, Balcombe, lo sobreviviría veinticinco años. Fue la albacea literaria de Stoker y quien vio la fama desmedida que empezaba a cobrar "Drácula". Se encontraba en una pésima situación financiera y no había dado permiso para la adaptación de la novela para que se realizara "Nosferatu", tampoco había recibido pago alguno por los derechos.

Este año, coincidente con los aniversarios de los 110 años de la muerte del autor, se celebran también 125 años de "Drácula" y treinta de la película de Coppola, pero además la versión alemana de Friedrich Wilhelm Murnau, "Nosferatu", cumple cien años. En 1922 la viuda había recibido un sobre con una carta anónima desde Berlín que incluía el programa de un reciente estreno cinematográfico, que había tenido lugar en el jardín de mármol del zoológico de Berlín. "Nosferatu" aparecía descrita en el folleto como "una adaptación libre de la obra Bram Stoker, 'Drácula'". El guionista, Henrik Galeen, había cambiado los nombres de los protagonistas y de los personajes y había modificado libremente ciertos puntos principales de la obra. Sin embargo, el parecido con la novela de Stoker no se alejaba en ningún momento del plagio.

Balcombe reclamó ser recompensada económicamente y, a la vez, que se destruya la obra. Este comienzo de vampirismo literario es el inicio de la fama del célebre monstruo.

Los abogados de la British Incorporated Society of Authors que representaban los derechos de Stoker ganaron la demanda, pero la productora alemana Prana-Film se declaró en quiebra, para evitar pagar los derechos. El fallo final, de julio de 1925, sentenciaba que debían entregársele todas las copias de la película, para ser destruidas. Sin embargo, las copias llegaron a proyectarse con éxito en Estados Unidos durante 1929.

La suerte de la fama de "Drácula" estuvo en mano de Balcombe, quien otorgó los derechos para una adaptación teatral a Hamilton Deane, que había sido su vecino en Dublín. La obra se estrenó en Derby en 1924. Tres años más tarde, Horace Liveright adquirió los derechos teatrales para Estados Unidos y contrató a John L. Balderston para adaptar la obra a los escenarios de Nueva York. La pieza estuvo durante un año en cartel en Broadway y se representó dos años más en una gira, rompiendo todos los récords anteriores de cualquier gira teatral en los Estados Unidos. Sin embargo, Liveright nunca llegó a pagar a la viuda por todos los derechos de la representación, ya que ella moriría, poco después, en 1937.

A partir de 1922, con el éxito de "Nosferatu", "Drácula" empieza un extenso y largo recorrido de adaptaciones. En 1923 "Drakula halála" es protagonizada por Paul Askonas y en 1931 el actor austrohúngaro Béla Lugosi la interpreta en el cine, dirigido por Tod Browning. La serie de adaptaciones son extensas, sobre todo en las décadas de los sesenta y setenta, con siete u ocho realizaciones por año.

El terror inicial que tenían estas adaptaciones se fue perdiendo con el paso del tiempo. Las nuevas obras intentan jugar con el humor, la parodia y la estetización del miedo. La cristalización del género, como sucedió también con el Frankenstein interpretado por Boris Karloff, no propició el declive del personaje, sino por lo contrario: alimentándose de su propia carnadura, rejuveneciéndose como su protagonista, la historia fue encontrando nuevo público en cada nueva obra.

En 1992, el exitoso y talentoso director de cine Francis Ford Coppola, ganador de varios Premios Oscar, sobre todo por "El Padrino", llevó al cine la historia como "Drácula, de Bram Stoker" protagonizada por Gary Oldman, Winona Ryder, Keanu Reeves y Antony Hopkins. Ya en el título de la película aparece el homenaje (y el respeto) por el escritor. Resultó ganadora de tres premios de la Academia en la parte artística: diseño de vestuario, maquillaje y edición de sonido.

La película fue calificada por la crítica como la mejor adaptación de la novela original. A pesar de esto se censuraron veinticinco minutos de escenas violentas, incluyendo un desnudo de Winona Ryder.

La estetización del miedo con la película de Coppola logra su punto máximo. No es el guion ni la historia la que ganan los premios, sino la producción artística. Sucede lo mismo con varias puestas en escenas de óperas o musicales, incluso una que se repuso en nuestro país este año, "Drácula, el musical", escrito y dirigido por Pepe Cibrián con música de Ángel Mahler, y producido en 1991 por Tito Lectoure.

Del 1º de abril al 10, luego de treinta años, volvió al Luna Park para demostrar que el vampiro se rejuvenece con el paso del tiempo, abandonando esta vez el terror para pasar a inmortalizarse junto a su autor. Bram Stoker logró su cometido: inmortalizó a Drácula y en esa sencilla operación se inmortalizó a sí mismo.

Con 22 años de trayectoria y por primera vez en San Luis, la multipremiada agrupación mendocina subirá al escenario de la Sala Hugo del Carril, este miércoles a las 21:30, en el Centro Cultural “Puente Blanco”, con el espectáculo “Dementes, la rebelión de las neuronas”. La obra cuenta con el acompañamiento del Gobierno provincial.

“La Buena Moza” es una agrupación cooperativa y autogestionada que, en los últimos años, ha superado un promedio de 60 shows anuales. Se trata de 20 artistas en escena, 15 actores cantantes, 4 percusionistas y un director que despliegan un estilo de murga uruguaya, mediante un gran espectáculo conceptual, humorístico, y colorido, premiado en diversos teatros del país.

Con música original e ironía, “Dementes” plantea una crítica social sobre temas como las tecnologías, adicciones, adultez y la masculinidad hegemónica, entre otros.

“Cuando preparamos el guión, más allá de hacer indagaciones dentro del grupo para ver los ejes temáticos, vinculados a la realidad social, hicimos capacitaciones porque considerábamos que era necesario trabajar la perspectiva de género y es una responsabilidad de todos los artistas. En esa época éramos un grupo de 100% varones y tratamos de formarnos para comprender las lógicas del patriarcado, y cómo se manejan en la sociedad esos juegos de roles y poder. Queríamos una puesta humorística, pero que al mismo tiempo trabajara la reflexión social. También fuimos indagando en temas como la niñez y la hipercomunicación”, detalló el director musical, Daniel Bernal.

La murga ha compartido escenarios con Los Auténticos Decadentes, Jaime Roos, Rubén Rada, No Te Va Gustar, Orozco-Barrientos, entre otros, y ha participado en festivales de Uruguay y Chile.

Asimismo, este lunes a las 10:30, en la Secretaría de Cultura, se realizará la presentación oficial de la Fiesta Provincial del Teatro, que durante cinco días ofrecerá 15 obras en competencia y 3 invitadas en diferentes salas de la ciudad de San Luis.

Nota: Prensa Secretaría de Cultura.

Fotos: Gentileza La Buena Moza.